四月的北京，春意正透过窗戶，在评审间里落下明暗交错的光影。这间屋子，在4月8日与9日，气氛凝练。长桌一侧，李少红、赵小丁、吴刚、俞白眉、魏钦涛五位评委已然就位，一场关于表演本质的审视与校准，即将在接下来两天密集的“10分钟”里次第展开。

　　屋外的走廊里，景象截然不同。从初选中突围的青年演员正在候场。有人对着墙壁默戏，有人反复整理衣角，有人只是安静地坐着，呼吸轻而绵长。他们将被依组次唤入，在评委面前完成指定片段的表演。每个人的机会只有一次，时长不超过10分钟。

　　门开，合上。表演开始。

终评审委员会：李少红（终评审主席）、赵小丁、吴刚、俞白眉、魏钦涛

　　李少红：在短剧浪潮中打捞“活人感”

　　评审间里，面对来自不同背景的演员，李少红导演的注意首先落在了差异本身。“竖屏的演员、短剧的演员，还有古偶剧培养出来的演员，连形象、表演方法、节奏都不太一样。”她观察道。当一份注明“年拍五十余部、累计百亿点击”的简历出现在她面前时，她沉默了片刻，坦言“挺震撼的”。

　　随后，她与一位毕业于北京电影学院、却长期拍摄短剧的演员进行了交流。演员提到，短剧的拍摄节奏常常是“只要情绪，不要过程”。“那你怎么给（情绪）？”李少红追问。演员回答，自己仍会尝试先去理解人物、体验情感，再给出情绪，剩下的交给后期去裁剪。他应对之道让李少红导演感到欣慰，坦言道：“他没有丢掉表演最本质的东西，他是从人物出发，从内而外的一个表达。”

　　她的关切远不止于技巧。她向年轻演员们分享，自己学生时代被要求“ 把中国史和世界史打通了看”，因为历史观与美学观构成了理解角色的“思想方法论”。她以在巴黎亲见《向日葵》原作的战栗为例说道：“没有那些积累，名画也就是两朵菊花。” 她认为，真正的表演，“想”永远大于“演”或简单的模仿。

　　当讨论转向AI，她给出了清晰的界定：“数字人和人的区别就在于‘活人感’。” 那种即兴的、同步的、带着温度的生命反应，是技术最难复制的部分。而锻造这份“活人感”的内功，正是长期沉淀的文学与审美素养。在她看来，表演中最珍贵的部分，必须“靠人来‘搓’，不是靠算法来‘搓’”—这是一个将生命体验与深刻理解 ，缓慢“手搓”进角色肌理的过程。

　　赵小丁：在镜头和屏幕之间 ，表演不是孤立的

　　作为中国影视摄影师学会会长，赵小丁的评审始终带着摄影机的“眼睛”。他提醒演员必须建立明确的“空间感”，理解在特写与全景镜头前，表演的重心与幅度应有本质的不同。在他看来，表演与摄影的关系，最终追求的是—种“浑然—体的化学作用”。

　　当讨论聚焦于“短剧”与“竖屏”这—年度现象时，他表现出冷静的专业坚持。他承认竖屏是特定媒介环境下的合理产物，尤其在呈现人物肖像时具有优势。但他同时强调，表演的“基本标准”不应因画幅比例的改变而动摇。在评审现场，他与李少红导演探讨了竖屏对动作设计的物理限制—大幅度的肢体语言容易“出画”，从而框定了表演的形态。基于对媒介演进的理解，他甚至预判：“短剧的观剧形态，没准儿未来又会转回横屏。”

　　他的视角，为这场关于表演本质的探讨，增加了—个不可或缺的维度：表演从来不是孤立的存在，它必须与最终的视听呈现共同呼吸。他以其数十年的创作经验提醒着每—位演员，无论在何种屏幕之上，都需要理解并敬畏镜头这门“语言”，并学会在其中找到自己最准确、最有力量的位置。

　　吴刚：如果角色本该是“一团火”，就不能演成“一块冰”

　　在评审现场，吴刚的发言往往从一个具体的表演瞬间开始。“真听、真看、真判断，”这是他反复强调的根基。当表演因缺乏内心依据而显得浮泛时，他会暂停并引导演员：“你得从对手的台词里，寻找你自己的行为逻辑。”他认为，一切技巧的终点，是让一个基于真实关系的“人”立在台上。

　　他的指导极具画面感。他曾随手拿起水杯示范，如何借一个简单道具建立表演的“支点”，并指出在节奏飞快的“急活儿”中，破解“说词机器”困境的方法，恰恰是回归基础—“要先看、先感受”。他提醒演员，必须具备在“只言片语中寻找真谛”的敏锐，并从对手的台词里快速构建自己的行为逻辑，才能应对真实片场高压的创作环境。

　　面对来自短剧赛道、拥有大量实践经验的演员，吴刚的态度辩证而深切。他肯定短剧带来的巨大机遇，但也郑重发出警告：“最怕形成流水线的表演。演员还是要创作，这人物得鲜活、不一样。”他坦言行业存在“短平快”的风气，可能导致表演“缺少了思考”，但他将希望寄托于不变的坚守：无论在何种赛道，都应保有“对美的追求”，对剧本与表演质量有所要求。在他看来，这才是行业保持蓬勃生命力的根源。

　　俞白眉：古法手搓，在这个时代特别可贵

　　在评审现场，俞白眉时常将讨论引向一个更广阔的语境。当谈到技术发展时，他分享了一个比喻：“AI像雪崩一样来了，但雪崩不会蔓延全世界，它会停在一个地方。我们要做的，是骑马跑到雪崩之外的那个区域—那是人类情感未来的生存空间。”在他看来，技术的演进正在重塑竞争的边界：“未来越有AI，人类可能越需要‘活人感’。那会是稀缺的。”

　　他的评审常常从一句台词的深意开始。在观看《新龙门客栈》片段时，他暂停下来，问演员：“你们知道‘八方风雨不如我们龙门山的雨’这句暗号是什么意思吗？”看到演员略显迟疑，他又接着问：“那‘十香肉’指的是什么肉？”演员未能答出“人肉包子”的隐喻。俞白眉接着解释，这段戏本是两位高手在言语中互相试探、暗中较量，但因为对文本背景和潜台词的理解不足，那些微妙的心思与风情没能呈现出来，对话便失去了应有的张力。

　　在提及经典武侠片时，他说：“古法手搓本来是我们这个行业的常态，本来它不是什么了不起的东西，但是到了这么一个时代，AI随时能做出动作画面的时候，这一点就显得特别珍贵。我们在做动作戏的时候，这些更接近动物体的这种人很原始的努力，在我们的时代显得特别可贵。”

　　魏钦涛：在硬币的另一面，看见机遇与惯性

　　作为终审团中产业向代表，红果精品短剧负责人魏钦涛提供了至关重要的产业视角。他坦言自己更多是“代表一个普通用户”来评审，核心关注两点：表演是否真诚，能否让观众相信而不“出戏”。这份着眼于“用户感受”的标尺，为专业评审注入了市场的体温。

　　他的观察清晰而务实。他明确指出，短剧的兴起为青年演员带来了革命性的机遇与更低的入行门槛，让大量新人获得了宝贵的实践起点。然而，作为深度参与者，他也冷静地看到了硬币的另一面：短剧“短、平、快”的生产节奏与用户对即时情绪的追求，可能在客观上催生一种追求结果、简化过程的“快餐式”表演习惯。他担心，长期如此，演员可能更依赖外部技巧，而弱化了对角色内在逻辑的深掘与创造。

　　因此，他的在场不仅是为了选拔，更是一种提醒与校准。这印证了本届计划将经典文本与短剧实战结合的深意：引导演员在拥抱新机遇的同时，警惕便捷的流水线可能带来的表演惰性，在任何赛道中，都努力守护表演作为“创作”而非简单“生产”的初心。

终评审现场

　　此外，中国电影基金会理事长、“光幕计划”荣誉主席张丕民、艺术总指导兼集训营班主任张华老师亦亲临终审现场，与评委们—同观看、聆听，见证这份名单诞生的全过程。

评审、张丕民、张华大合影

　　评委们以追问、⽰范与激辩，共同完成了—次对表演价值的深度校准—在—切求快的时代，何谓值得慢下来的“功夫”；在技术可以模仿完美的当下，何谓必须由血肉之躯灌注的“活人”。这份名单的确认，便是这趟旅程最初、也最清晰的刻度。新的跋涉，已经开始。