1月28日，第十六届北京国际电影节创投训练营迎来摄影导师课，由资深电影摄影师廖拟主讲，为学员们梳理电影摄影的创作要义。

　　从《后会无期》的文艺公路气息，到《疯狂的外星人》的荒诞喜剧色彩；从《人潮汹涌》的都市悬念感，到《无名》中充满张力与作者表达的镜头美学。廖拟老师始终以影像为笔，在类型与风格之间自由游走，穿梭于不同的故事世界，持续拓展着华语电影的视觉边界。

　　本次课程中，廖拟老师还带来了《无名》《万里归途》等影片的试片素材。他通过测试ARRI ALEXA 65与Alexa LF摄影机的协同适配，直观展现了不同影像质感的表达可能。通过探索富有颗粒感的画面风格以及广角人像的拍摄形式，帮助学员们深入理解摄影在电影制作前期所承担的关键工作。

　　样片是摄影师最直接的沟通工具

　　在接到影片的摄影工作后，廖拟老师从自己对剧本的直觉出发，广泛收集灵感，并通过“试片”环节将创意具象化。课堂上，他以《万里归途》《无名》等作品的测试样片为例，展示了“试片”如何清晰传递摄影师的审美视角、对光影与构图的掌控力、与人物互动的理解，以及最终作品的质感与调性。这些样片不仅本身是完整的视觉提案，也为后续创作提供了明确的讨论基础。

　　视点决定影片的叙事秩序

　　视点作为影片的叙事角度和情感立场，是内在的、抽象的指导原则；而分镜则是将这一原则外化、具象化的施工蓝图。导演脑海中的“谁在看？”“观众应感受到什么？”等视点问题，最终必须转化为一个个具体的镜头机位、景别、运动和组接方式。因此，分镜是视点最直接、最具体的形态。通过审视分镜的连续性与统一性，验收“视点”这一原则是否被严谨、彻底地贯穿于每一个视觉瞬间。如果分镜摇摆混乱，那么视点必然无法成立。

　　摄影的核心竞争力：选对导演，绑定美术

　　“导演准备的越充分，前期交流的效果就越好。”摄影指导与导演建立信任关系非常重要，廖拟老师坦言，自己倾向于选择拥有共情能力及坚定美学追求的导演。导演是摄影坚实的依靠，在创作时，导演需要和摄影一起面对困难。当导演在前期把资金、拍摄细节等考虑清楚，摄影才能顺利展现自己的专业能力。而美术指导是廖拟老师“第二关注的角色”，因为美术设计会直接影响影像的最终效果。在一些项目中，廖拟老师甚至会为最大化实现创作构想而自带美术团队。

　　在学生提问环节，廖拟老师通过自身丰富的行业实践经验给予学员们兼具深度与指导性的解答。

　　Q1：在预算有限的情况下，如何提升视觉的质感？

　　廖拟：预算过低会让拍摄难度变大，但不会完全限制创作空间。我有一位对影像要求很高的朋友，最近正尝试用手机拍摄一个项目，他的探索给我很多启发。手机拍摄在低照度、夜景等条件下难免显得粗糙、表达力不足，画质也无法与专业设备相比。但影像的价值不应只由画质决定，更重要的是能否实现创作者最初想要传递的感受与情绪。在有限的条件下，反而更需要明确“你想让观众看见什么、感受到什么”，并在构图、光影、调度、色彩上做更用心的设计。

　　Q2：如何从摄影师成长为优秀的摄影指导？

　　廖拟：这是从个人能力到团队协作意识的全面升级。关键在于建立对电影制作全局的深度理解。你需要超越镜头本身去理解剧本叙事、导演意图、美术氛围、表演节奏，甚至后期流程。这样才能让影像真正融入电影。同时，摄影指导本质上是一个协作型的领导岗位，虚心和乐于助人的态度同样重要，比如发现美术存在可能影响画面细节的问题时，以合作的态度提出专业建议，这是对作品负责。而遇到自己不确定的问题时，也要主动向相关部门请教。

　　Q3：您对用AI来进行创作有什么看法？

　　廖拟：在电影从胶片转向数字时，摄影师们就已经历过一次技术冲击。因此我对AI持开放态度，甚至尝试将个人经验和笔记录入Gemini进行辅助规划，还挺好用的。但AI创作仍面临明显局限：一是交付的不确定性，若无法按时生成可用内容，将直接影响项目进度；二是效果的可控性弱，反复调整后可能离预期愈来愈远。摄影是高度精确的艺术，我们追求对镜头、构图、光线的绝对控制，而AI目前还难以实现这种细腻的创作意图。因此，现阶段我认为比较可行的路径是让AI辅助前期构思和后期包装，创作的方向仍需由人来把控。

　　Q4：在画幅的选择上您有什么心得吗？

　　廖拟：在拍摄IMAX特制的《万里归途》时，对于部分场次，我会提前在拍摄方案中明确标注要使用2:1画幅。这种比例原本更多用于宏大场面的表现，但如今已逐渐不再局限于特定场景而更多服务于叙事需求。画幅的选择本质上是一种视觉语言，需与影片的风格和表达意图紧密结合。

　　Q5：当摄影成为工作后，您会不会对电影产生疲惫感？

　　廖拟：我仍然保持每日观影的习惯，很少对电影本身感到疲惫。我看电影不只聚焦摄影，也会关注表演、美术等整体创作。最近很欣赏A24出品的《爱丁顿》，它在影像上刻意追求一种机械、冷峻的质感，其中一些中长焦的运动镜头设计令我印象深刻。导演阿里·艾斯特的另一作品《博很恐惧》我也同样喜欢，他始终在用强烈的视觉语言构建独特的心理叙事。

　　Q6：您有什么对多机位摄影的心得？

　　廖拟：多机位拍摄的优势在于效率，但这一模式的核心局限在于拍摄过程中难以锚定统一的视觉视点。若剪辑目标只是营造叙事节奏，无明确视点的拍摄方式可以满足需求，但通常对于摄影创作而言，清晰的视觉视点始终是不可或缺的要素。我在拍摄《万里归途》时，为契合影片碎片化的手持摄影风格，设计了一套复合流程：在演员带妆走戏阶段，便开启五台摄影机进行多角度同步拍摄。之后再使用广角摄影机进行近距离的第二轮镜头拍摄。这套策略确保了整场戏的表演连贯性，为后期剪辑储备了海量真实、连贯的素材，但也将素材选择与最终风格化的责任完全交给了剪辑与导演的判断。

　　Q7：您对于“突出人物虚化背景”的拍摄方法有什么看法？

　　廖拟：虚化背景、突出人物是比较基础的拍摄手法，大家有条件可以追求更高级的技巧。但一切拍摄手法终将服务于影片叙事，比如运用虚化背景去展现特殊时刻，或者去弥补美术的不足。

　　廖拟老师对光影的敏锐掌控、对画面结构的持续探索，以及在不同类型作品中展现出的适应力与创造力，亦为正在成长中的青年电影人，提供了一份关于坚守专业、勇于创新的生动参照。相信在廖拟老师的专业指引下，学员们能对影像表达的内核有更深刻的理解与把握。愿大家带着对摄影的新启发，以创作者的自觉打磨镜头语言，以不懈的自驱探索影像边界，让每一格画面都成为创作初心的生动表达。